Оперные жанры и закономерности их музыкальной драматургии
   Цель настоящей работы — проследить развитие различных жанров оперного искусства в
историческом разрезе и через творчество различных композиторов,  которое по праву считается
вехами в истории оперной музыки.
Введение
   Что такое опера?
   Опера — это художественное произведение, содержание которого воплощается в сценических
музыкально-поэтических образах. В опере сочетаются музыка, драматургия, изобразительное
искусство, хореография.
   Первая опера "Дафна" была написана итальянским композитором Якопо Пери и впервые
исполнена во Флоренции в 1597 году. С этого момента и началось постепенное развитие совершенно
нового для того времени вида искусства, которое продолжалось на протяжении XVII-XVIII веков. В
результате попытки возродить элегантность и простоту древнегреческой трагедии, которая
рассказывала истории богов и мифологических героев в драматической форме, и зародилась опера.
   Соединение искусства песни с драматическим повествованием произошло потому, что в конце
XVI века группа итальянских дворян пожелала освободить музыку от средневековой усложненности и
возобновить дух чистоты, которую они находили в древнегреческих пьесах. Первые оперные
начинания получили свое развитие прежде всего благодаря такому великому композитору своего
времени, как  Монтеверди, который написал в 1607 году  свою первую оперу "Орфей", а последнюю
1642 году, которая называлась "Коронация Поппеи".  Монтеверди и его современниками была
придумана классическая оперная конструкция, которая продолжает действовать и в наше время:
·      арии;
·      дуэты;
·      терцеты;
·      квартеты;
·      ансамбли.
   В них герои выражают свои эмоции:
·      речитативы;
·      хоры.
   А них уже объясняются происходящие события:
·      оркестровые увертюры;
·      прелюдии.
   Чтобы дать зрителям возможность рассесться по местам, включались в программу
представления:
·      интерлюдии;
·      антракты.
Европейская опера
   Английская опера развивалась из королевского театра масок. Развлекательная церемония
состояла из театрального представления, танцев и музыки. Персонажами были мифологические
герои. Декорации и костюмы были необыкновенно изысканными. Английский театр масок достиг
совершенства в начале XVII века. По своей форме эти представления были очень схожи с оперой: так,
например, в них использовали речитатив и оркестровые интерлюдии.
   В Англии Гражданская война 1640-х годов и последующие годы правления пуританского режима
Кромвеля задержали развитие оперы. Исключением стал Генри Пёрселл и его опера "Дидона и Эней",
написанная в 1689 году для девичьей школы в Челси, вплоть до тех пор, пока Бриттен не написал 250
лет спустя "Питера Граймза".
   Во Франции Людовик XIV оценил возможности оперы с пышными декорациями, танцевальными
номерами, дополнявшими чисто музыкальную сторону спектаклей. Его придворным композитором был
Жан Батист (Джованни Батиста) Люлли, итальянец по рождению, прошедший путь от мальчишки —
кухонного подсобника до бесспорного законодателя французской музыки. Люлли сделал себе
состояние, покупая право на каждую оперу, исполняемую в стране.
   Примерно к 1740 году итальянская опера в Лондоне пришла в упадок. "Опера нищего" Джона
Пепуша (либретто Джона Гея), поставленная в 1728 году, нанесла сокрушительный удар по
помпезности прежней итальянской оперы: с появлением на сцене разбойников, их подруг и т. д. стало
уже невозможным увлечь зрителя напыщенными героями из античной мифологии. Гендель попытался
основать в Лондоне другой итальянский оперный театр, однако попытка не увенчалась успехом.
   На континенте опера не знала перерывов в своем развитии. После Монтеверди в Италии один за
другим появились такие оперные композиторы, как Кавалли, Алессандро Скарлатти (отец Доменико
Скарлатти, крупнейший из авторов произведений для клавесина), Вивальди и Перголези. Во Франции
на смену Люлли пришел Рамо, господствовавший на оперной сцене всю первую половину 18 века.
Георг Фредерик Гендель (1658 – 1759)
   Георг Фредерик Гендель родился в Германии, в городе Галль,  в том же, что и Бах. Он сделал
короткую, но яркую карьеру в Италии, до того как осесть в Англии в 1712 году. Годом раньше в
Лондоне с огромным успехом была поставлена его опера "Ринальдо", после которой он выпускал
оперу за оперой на протяжении 30 лет. Он сам взялся направлять всю лондонскую музыкальную
жизнь, разыскивая по всей Европе певцов, нанимая театры.
   В 30-х годах его мастерство оперного композитора достигает предельной высоты, когда он и
создает свои лучшие сочинения: “Поро”, “Ариадна”, “Ариодант”.
   Гендель значительно углубил музыкально-драматическую характеристику героических и бытовых
образов итальянской оперы-сериа ("серьёзной оперы"), значительно обогатил её вокальные формы,
музыкальную декламацию, оркестр. При этом важнейшеё заслугой Генделя по праву создание
классического типа оратории — монументального эпико-драматического жанра с преобладающей
ролью хора.
Христоф Виллибальд Глюк  (1714 – 1787)
   Христоф Виллибальд Глюк родился 2 июля 1714 года в Эрасбахе. В 1726 году Глюк поступил в
иезуитскую коллегию в чешском городе Комотау, где он проучился 6 лет и пел в хоре школьной церкви.
Именно там Глюк овладел греческим и латинским языками, античной литературой и поэзией. Оперному
композитору в ту эпоху, когда оперное искусство во многом основывалось на античной тематике, это
было необходимо. Свои первые творения композитор создаёт в Италии.
   Следующий важный период в творческой деятельности Глюка связан с работой в области
комической оперы для французского театра в Вене, куда он переехал после пребывания в ряде
других стран, для Лондона он написал оперы-сериа  ("серьёзные оперы") "Артамена" и "Падение
гигантов".
   5 октября 1762 года явилось знаменательной датой в истории оперного театра: в этот день
впервые был поставлен в Вене "Орфей" Глюка на текст Кальцабиджи. Это было начало оперно-
реформаторской деятельности композитора. Через пять лет после "Орфея", 16 декабря 1767 года,
состоялась там же, в Вене, первая постановка оперы Глюка "Альцеста".
   В апреле 1774 года в Париже состоялась первая постановка новой оперы Глюка "Ифигения в
Авлиде", французское либретто, которое написано Дю Рулле по трагедии Расина того же названия.
Эта постановка вызвала бурную реакцию в музыкальным мире той эпохи — "Ифигения..." явила собой
переломный этап в оперном искусстве.
   Заключительными реформаторскими операми композитора, поставленными в Париже, были
"Армида" и "Ифигения в Авлиде".
Георг Филипп Телеман  (1681 – 1767)
   Главной чертой этого немецкого композитора является стремление к музыкальной
характеристике персонажей инструментальными средствами. В этом смысле Телеман являлся
непосредственным предшественником Глюка и Моцарта. За свою более чем 70-летнюю творческую
деятельность Телеман создал произведения во всех известных в то время музыкальных жанрах и в
различных стилях существовавшей в 18 веке музыки. Он один из первых отошел от стиля так
называемого "немецкого барокко" и начинал сочинять в "галантном стиле", подготовляя почву для
возникающего нового направления музыкального искусства, которое привело к классическому стилю
венской школы.
Период творчества Моцарта
   К началу ХVIII века, когда талант Моцарта достиг своего расцвета, опера в Вене разделилась на
три основных направления. Ведущее место занимала серьезная итальянская опера (итал. opera seria),
где классические герои и боги жили и умирали в атмосфере высокой трагедии. Менее формальной
была комическая опера (opera buffa), основанная на сюжете Арлекина и Коломбины из итальянской
комедии (commedia dell'arte), окруженных бесстыдными лакеями, их дряхлыми хозяевами и всякими
плутами и жуликами. Наравне с этими итальянскими формами развивалась немецкая комическая
опера (singspiel), чей успех заключался, пожалуй, в использовании доступного широкой публике родного
немецкого языка. Еще до того, как началась оперная карьера Моцарта, Глюк выступал за возврат к
простоте оперы XVII века, сюжеты которой не приглушались длинными сольными ариями,
задерживающими развитие действия и служившими для певцов лишь поводами для демонстрации
силы своего голоса.
   Силой своего таланта Моцарт объединил эти три направления. Еще подростком он написал по
одной опере каждого вида. Будучи зрелым композитором, он продолжал работать во всех трех
направлениях, хотя традиция opera seria увядала. Одна из двух его больших опер — "Идоменей, царь
Крита" (1781), полная страсти и огня, — исполняется и сегодня, а "Милосердие Тита" (1791) можно
услышать очень редко.
   Три оперы buffa — "Женитьба Фигаро", "Дон Жуан", "Так поступают все женщины" — подлинные
шедевры. Они настолько расширили границы жанра, внеся в них трагические мотивы, что зритель уже
не знал, смеяться ему или плакать, — здесь можно вести речь о сравнении с шекспировскими
пьесами. В каждой из этих трех опер любовь в той или иной форме является ведущей темой. "Фигаро"
рассказывает, как слуга (Фигаро) чинит всевозможные препятствия своему хозяину, желающему
соблазнить девушку, на которой он хочет жениться. В "Дон Жуане" мы становимся свидетелями
приключений дамского угодника, который был затянут в ад статуей убитого им мужа любовницы.
Сюжет не очень подходит для жанра комической оперы, но Моцарт заканчивает ее хором, который
говорит зрителю, что все это не должно восприниматься слишком всерьез. Опера "Так поступают все
женщины" ("Cosi' fan tutte") повествует о двух молодых парах; девушки и юноши клянутся друг другу в
любви и преданности, но затем меняются партнерами и обнаруживают, что быть верным не так легко,
как это кажется вначале. Бетховен, чья единственная опера "Фиделио" была сверхсерьезной, считал
эти сюжеты аморальными. Либретто ко всем трем сочинениям написал один и тот же поэт, блестящий
и эксцентричный Лоренцо да Понте. Оба они не слишком почитали тогдашние строгие нравы.
   Для первого совместного произведения "Женитьба Фигаро" они использовали пьесу Бомарше,
герои которой не только вытянули из хозяина все возможное, но и завоевали зрительские симпатии.
Опера "Женитьба Фигаро", написанная в 1786 году, стала пиком славы Моцарта. Вот что писал тенор
Михаэль Келли, певший в первом представлении оперы: "Я никогда не забуду это воодушевленное
выражение лица, загорающегося искрами гениальности, описать это — то же самое, что и нарисовать
солнечные лучи". После исполнения воинственной арии Фигаро все зрители кричали: "Браво, браво.
Маэстро! Да здравствует великий Моцарт!" "Женитьба Фигаро" стала всеобщим венским шлягером,
даже посыльные насвистывали мотивы из оперы.
   Тем же самым духом озорного веселья наполнены и две немецкоязычные оперы Моцарта:
"Похищение из сераля" и "Волшебная флейта". Первая была написана в 1781 году, в ее основе лежит
история спасения девушки, оказавшейся в гареме султана. Сказочный сюжет "Волшебной флейты"
кажется примитивным, но на самом деле эта опера — одна из лучших у Моцарта со многих точек
зрения и имеет глубокий смысл. Это сочинение, написанное композитором в последний год его жизни
(1791), наполнено глубокой верой в абсолютное торжество добра над злом. Герои — двое
идеализированных влюбленных — проходят через множество испытаний, и помогает им в этом
волшебная флейта. Героями оперы являются также злобная королева, благородный верховный жрец
и смешной птицелов, линия которого снимает напряжение. Либреттист, директор театра Эммануэль
Шиканедер, также как и Моцарт, был масоном, идеи масонства нашли в опере широкое воплощение в
т.н. "скрытой форме" (как показали последние исследования, в партитуре оперы буквально
"закодирована" информация о некоторых масонских символах и обрядах).
Итальянская опера первой половины XIX века
   В итальянской первой половины XIX века доминировали три великих композитора: Россини,
Доницетти и Беллини. Все трое были мастерами настоящей итальянской грациозной плавной мелодии
— искусства bel canto ("прекрасного пения"), которое развивалось в Италии с первых дней появления
оперы. Это искусство требует совершенного контроля над голосом. Значение сильного, прекрасно
поставленного голоса в нем столь велико, что исполнители порою пренебрегают актерской игрой.
Выдающиеся певцы того времени, как Изабелла Колубран, первая жена Россини, могли исполнять
фиоритуры и другие всевозможные пассажи с необыкновенной легкостью. Лишь немногие
современные певцы могут сравниться в этом с ними. Композиторы соревновались друг с другом,
представляя одну оперу за другой. Очень часто в этих операх сюжету придавалось гораздо меньшее
значение, нежели демонстрации вокальных возможностей исполнителей.
Джоакино Россини  (1792 – 1868)
   Джоакино Россини был самым старшим из трех и выступал в роли наставника, вдохновляя своих
товарищей и помогая им с великодушием, редким среди композиторов любого времени. Он родился в
городе Пезаро  Северной Италии в 1792 году. Отец его не только служил инспектором на бойнях, но и
исполнял обязанности городского трубача, а его мать была неплохой певицей. Пробыв недолгое
время подмастерьем в кузнице, Россини понял, что его призвание — опера. Первый настоящий успех
пришел к нему в 1812 году с комической оперой "Шелковая лестница". А через год были поставлены
комическая опера "Итальянка в Алжире" и трагическая — "Танкред".
   Несмотря на то, что Россини создавал комические и трагические оперы с одинаковой легкостью,
все-таки можно сказать, что первые более отвечали природе его гения. Сам Россини о легкости, с
которой он сочиняет музыку, говорил так: "Дайте мне перечень белья из прачечной, и я положу его на
музыку". Его карьера продолжалась с непрерывным успехом сначала в Италии, а потом в Париже.
Одним из черных пятен в его биографии была премьера "Севильского цирюльника", самой известной
и наиболее часто исполняемой из всех его опер. Написанная в Риме в 1816 году всего лишь за 13 (!)
дней, она была демонстративно освистана зрителями во время премьеры. Россини настолько пал
духом, что не пришел на второе представление оперы. Но расстраиваться не было нужды — опера
стала огромной удачей композитора и не потеряла популярности до наших дней.
   В 1829 году его опера "Вильгельм Телль" — со знаменитой сценой, когда Телль стреляет в
яблоко на голове у сына, — прошла с невиданным успехом в Париже. Россини было 37 лет. Позади —
около 40 опер, впереди — многообещающее продолжение карьеры. И все-таки после "Вильгельма
Телля" он не сочинил ни одной оперы и почти прекратил композиторскую деятельность. Возможно, он
почувствовал, что может больше соревноваться с другими композиторами, так как зрители стали
понемногу поворачиваться от комедии к большим торжественным операм Джакомо Мейербера. 
Россини провел последний год в Париже, давая обеды, на которые приходили все знаменитости.
Россини был таким большим гурманом, что его именем даже назван бифштекс.
   В музыке Россини признавал только то, что способно приносить удовольствие. Этот девиз нашёл
своё воплощение практически во всех гранях его творчества: музыка Россини на 99%
жизнеутверждающа, мелодична, легко запоминаема, местами даже "привязчива".
Гаэтано Доницетти  (1797 – 1848)
   Среди протеже Россини был Гаэтано Доницетти, родившийся в 1797 году. Доницетти был
поражен параличом и умер безумцем, но в свои лучшие годы он писал так же быстро, как его
наставник. Кроме большого числа опер он написал ряд произведений камерной музыки и множество
песен для сольного исполнения. Одной из самых веселых была его опера "Дон Паскуале",
рассказывающая о несчастьях старого сварливого холостяка. Он также писал драматические
произведения на исторические темы. Его опера "Лючия ди Ламмермур" по мотивам романа Вальтера
Скотта была вновь представлена зрителю несколько десятилетий тому назад такими замечательными
певцами, как Каллас и Сазерленд.
Винченцо Беллини (1801 – 1835)
   Третьим из этой группы великих композиторов был Винченцо Беллини, самый молодой из них. Он
умер от внезапного приступа дизентерии в возрасте 33 лет. Произведения его были необыкновенно
мелодичны и грациозны. Его музыкой всегда восхищался Шопен. Письма Беллини раскрывают его как
человека злобного, придирчивого и подозрительного. Его оперы — всего он создал их 11 — были, в
основном, трагическими: "Норма" рассказывала о несчастной любви Верховной Жрицы друидов, в
центре "Пуритан" находится конфликт между Рыцарем и Пуританином. Впервые представленная в
1835 году, за несколько недель до смерти композитора, последняя опера завоевала успех отчасти
благодаря Россини, который просмотрел каждую страницу произведения и внес в партитуру свои
предложения.
Опера второй половины XIX века (Италия, Германия)
   Из ведущих композиторов первой половины XIX века только Россини прожил долгую жизнь и
увидел оперный мир эпохи Верди и Вагнера. Верди продолжил традицию итальянской оперы, и,
несомненно, это нравилось Россини. Что же касается Вагнера, то Россини однажды заметил, что у
Вагнера "есть хорошие моменты, но из каждого часа музыки пятнадцать минут — скверные". В Италии
любят вспоминать такую историю: Россини, как известно, на дух не переносил музыки Вагнера.
Однажды маэстро собрал в своём доме именитых гостей. После сытного обеда гости в ожидании
десерта вышли на балкон с бокалами лёгкого вина. Внезапно из гостиной донёсся ужасный грохот,
звон, скрежет, треск и, наконец, стон. Через секунду к перепуганным гостям вышел сам Россини и
объявил: "Благодарение Богу, дамы и господа! Нерасторопная служанка зацепилась за скатерть и
всего лишь опрокинула на пол всю сервировку. А я-то грешным делом подумал, что какой-то негодяй
осмелился сыграть в моём доме увертюру к "Тангейзеру!"
Рихард Вагнер (1813 – 1883)
   Вот уже более 100 лет музыкальные пилигримы взбираются на холм возле маленького
баварского городка Байрейт, чтобы погрузиться в чудный мир музыки самого динамичного и
целеустремленного из всех композиторов. Музыка Вагнера, литературные произведения Вагнера,
оперный театр Вагнера представляют собой уникальный памятник выдающемуся человеку, чья
колоссальная сила воли имела огромнейшее влияние как на его друзей, так и на врагов. Вагнер
мощью своего гения заставляет зрителя слушать на протяжении 4 вечеров 16-часовую оперную
тетралогию "Кольцо нибелунга", возможно, одно из величайших достижений в истории западного
искусства.
   Жизнь Рихарда Вагнера представляла собой цепь удач и бед. Родившись в Лейпциге в 1813
году, он вырос в то время, когда волна национализма захлестнула всю Европу. Вся деятельность
Вагнера была направлена на создание и укрепление немецкой оперы, серьезной и возвышенной по
стилю, в противоположность фривольной итальянской. После нескольких ранних работ Вагнер написал
на протяжении 1840 – 1841 годов первый из своих шедевров — оперу "Летучий голландец". В ней
рассказывается история морского капитана, обреченного плавать по океанам до тех пор, пока он не
найдет женщину, которая могла бы пожертвовать своей жизнью ради него. В опере Вагнер по своему
обыкновению использует древнюю легенду и трактует идею спасения через самопожертвование в
любви.
   На написание этого произведения Вагнера вдохновило вынужденное морское путешествие,
совершенное им по Балтийскому морю в 1839 году. Скрываясь от кредиторов, он сел на корабль,
плывший в Англию. Судно сбилось с курса, и вместо ожидаемых 8 дней плавание продлилось 3 недели.
В автобиографии Вагнер вспоминал, как неистово запевали порою моряки "Голландца" (так
назывался корабль). Судно нашло прибежище в одном из норвежских фьордов, и, рассказывает
Вагнер, "чувство неописуемой радости переполнило меня, когда среди громадных гранитных стен
раздавалось эхо брошенного якоря и топота по палубе моряков. Этот ритм отозвался во мне подобно
доброму предзнаменованию и вылился в тему песни моряка".
   Это морское путешествие стало первым из многих последующих. Под угрозой ареста за
поддержку революционных событий 1848 года он отплыл из Дрездена в Швейцарию.
   Продолжая художественные поиски, начатые в “Летучем голландце”, Вагнер формулирует в
новых операх “Тангейзер” и “Лоэнгрин” основные положения своей эстетической платформы.
Центральным компонентом музыкальной драматургии в его операх становится лейтмотив — краткая
симфоническая (реже — вокальная) характеристика, связанная с  определенной идеей, действующим
лицом, сценической ситуацией или явлением природы. Оркестровая партия конструируется на основе
чередующихся, контрапунктически сплетающихся тематических ячеек (музыкальные символы
иллюстрируют таким образом сценическое действие); мелодия, основанная на развитии и смене
одного лейтмотива другим, приобретает черты непрерывности, текучести, незавершенности (так
называемая "бесконечная мелодия"). Значительно повышается роль симфонического
сопровождения, являющегося для Вагнера столь же существенным элементом музыкального
действия, сколь и вокально-декламационное начало. Рушатся традиционные оперные конструкции:
ария—>дуэт—>…—>ансамбль—>хор... На смену им приходят развернутые драматические сцены,
проникнутые сквозным развитием, они непосредственно вытекают одна из другой.
   Таковы принципиальные установки Вагнера в операх “Тангейзер”  и “Лоэнгрин”; таковы основные
компоненты исторической оперной реформы, проведенной композитором на немецкой оперной сцене.
   В Швейцарии Вагнер начал работать над огромнейшей тетралогией "Кольцо нибелунга".
Образованная музыкальными драмами “Золото Рейна”, “Валькирия”, “Зигфрид” и “Гибель богов”
тетралогия “Кольцо нибелунга” была задумана Рихардом Вагнером еще в 1848 г. Однако время,
прошедшее между замыслом и его окончательной реализацией, наложило отпечаток на идейно-
художественную концепцию произведения. Вагнер-революционер стремился в конце 40-х гг. воплотить
в тетралогии свои философско-общественные убеждения; Вагнер в 70-е гг. — последователь
Шопенгауэра, мистик и монархист — проповедует фатальную обреченность и беспросветный
пессимизм; отсюда глубокая противоречивость сочинения: с одной стороны, предается анафеме
роковая власть золота (иносказательно — власть “биржевого портфеля”, в некоторых трактовках —
капитализма), воспевается чистая, всепоглощающая, любовь; с другой стороны, утверждаются
неверие, скептицизм, страх перед неотвратимостью смерти…
   Столь же противоречива музыкально-драматургическая структура тетралогии. Являясь
наиболее последовательным и полным воплощением вагнеровской оперной реформы, “Кольцо
нибелунга” синтезирует как сильные стороны, так и крайности последней. Изобилующий
многочисленными колористическими красотами оркестр заставляет здесь забыть о вокалисте:
сценическое действие инертно, музыкальное — предельно динамично; хоры и ансамбли,
принципиально отвергаемые Вагнером, малочисленны; система лейтмотивов, разрастаясь до
гигантских размеров (в тетралогии около 100 (!!!) музыкальных символов-характеристик), затрудняет
непосредственное эмоциональное восприятие музыки. Вместе с тем “Кольцо нибелунга” заключает в
себе ряд сцен и эпизодов (главным образом — симфонических), которые по праву вошли в золотой
фонд западноевропейской музыкальной литературы. Полет валькирий, ковка меча, прощание Вотана и
заклинание огня, похоронный марш и смерть Зигфрида — эти и многие другие страницы партитуры
тетралогии признаны высшими достижениями художественной мысли Вагнера, наиболее
значительными образцами мирового оперного искусства.
   Этой захватывающей работе композитор посвятил 25 лучших лет своей жизни, с перерывом
между 1857-1865, когда Вагнер оставил работу над третьей частью "Зигфрида" для создания полной
теплого юмора оперы "Нюрнбергские мейстерзингеры" и рассказа о трагической истории любви
Тристана и Изольды. Тристан, племянник короля Марка из Корнуэлла, посланный за Изольдой, которая
должна выйти замуж за короля Марка, встретив девушку, влюбляется в нее сам. Изольда и Тристан
выпивают чашу с любовным зельем, которую Изольда приготовила, чтобы умереть вместе. Опера
рассказывает историю их трагической любви и заканчивается несравненной сценой их смерти.
   В тетралогии композитор обратился к древней немецкой мифологии, сумеречному миру богов,
героев, гигантов и карликов, к сражению богов за право обладать спрятанными в глубинах Рейна
сокровищами. Так же, как и боги древнегреческой мифологии, герои Вагнера, бессмертные
мифические существа, ведут себя подобно обычным людям: ссорятся, борются за власть,
влюбляются и умирают. В этих операх Вагнер предстал перед современниками величайшим
новатором. Лейтмотивы в его операх могут символизировать не только героя, чувство, а даже
неодушевленный предмет, как, например, золото в Рейне или копье бога Вотана. Используя свою
уникальную систему лейтмотивов, Вагнер показал, что герой может петь об одном, а аккомпанирующий
оркестр может представлять совершенно иное событие.
   В своей последней опере, величественном "Парсифале", Вагнер вернулся к миру
средневекового рыцарства, вдохновившем его ранее в "Тангейзере" и "Лоэнгрине". Опера
рассказывает о поисках чаши Грааля. Трудно представить себе менее подходящую тему для оперы.
Ее напряженность, серьезность и торжественность усложняют восприятие произведения и делают его
по-настоящему доступным лишь самым горячим поклонникам композитора. Но именно этой оперой
закончил свою карьеру великий композитор — в ней собраны все его идеи о музыкальном искусстве:
либретто, музыка, сценография выступают в совершенном монолитном единстве.
   В апреле 1864 года Вагнер писал своему другу: "Ты знаешь, что молодой король Баварии
разыскивает меня... Он хочет, чтобы я остался с ним навсегда, рядом работал, рядом отдыхал, рядом
творил". Это был король Людвиг II, занявший место отца в возрасте 18 лет. Восхищенный ранними
вагнеровскими операми, в особенности "Лоэнгрином", он вызвал к себе композитора и пообещал ему
любые деньги за то, чтобы тот выполнил его проекты. Такое импульсивное поведение было типичным
для Людвига, человека, явно неуравновешенного. Его слепое увлечение Вагнером продлилось до
конца 1865 года, когда композитор, находясь под политическим давлением и имея огромные долги,
был вынужден покинуть Баварию. Людвиг, несмотря на это, остался страстным поклонником
композитора. Он выделил немалые деньги на строительство оперного театра в Байрейте, которое
было закончено в 1876 году. В августе того же года была впервые исполнена тетралогия "Кольцо
нибелунга". Семь лет спустя Людвиг узнал, что Вагнер умер в Венеции, и настоял на том, чтобы тело
композитора было перевезено в Байрейт для перезахоронения. Людвиг был также известен своими
"дворцами мечты", особенно сказочным замком Нойшванштайн. На фресках последнего изображены
сцены из "Тангейзера" и "Парсифаля".
Джузеппе Верди (1813 – 1901)
   В марте 1842 года к Джузеппе Верди пришла слава. Его опера "Навуходоносор" ("Набукко"),
впервые исполненная в знаменитом миланском театре "Ла Скала", имела огромный успех. "Набукко"
(сокращённый итальянский перевод имени Навуходоносор) рассказывает историю о пленении евреев
в Вавилоне. Слушая ее, итальянцы, находившиеся под австрийским гнетом, отождествляли себя с
героями произведения. Исполненное хором волнующее "Va, pensiero, sull'ali dorate" ("Лети, мысль, на
золотых крыльях") стало девизом итальянских патриотов, стремившихся к независимости (в наше
время — итальянских футбольных болельщиков). С тех пор Верди стал музыкальным оратором
Италии.
   В 1840 году Италию охватило движение "Риссорджименто" ("Возрождение"). Целью его было
объединение разделенных земель страны. Имя Верди, в основе чьих опер лежали патриотические
темы, ассоциировались с этим движением. После представления его опер зрители кричали: "Да
здравствует Верди!" — с одной стороны, чтобы показать, как они гордятся им, с другой стороны,
потому что его имя по совпадению состояло из инициалов первого короля объединенной Италии.
   До "Набукко" композитор написал несколько малоудачных опер, как и Вагнер до "Летучего
голландца", написанного в 1843 году. Пути этих двух гигантов оперы XIX века имели поразительное
сходство и существенные отличия. Оба родились в 1813 году, оба активно участвовали в политических
волнениях своего времени, оба создавали шедевры до конца своих дней ("Парсифаль" Вагнера и
"Фальстаф" Верди). Правда, Вагнер руководствовался в творчестве своими личными правилами,
Верди же следовал опыту своих предшественников — Россини, Беллини и Доницетти. Вагнер, как и
Вебер, опирался больше на оркестр, чем на певцов; Верди начинал и заканчивал свои произведения
голосом и использовал оркестр в традиционной роли: в качестве аккомпанемента и поддержки, а не
главного интерпретатора истории. В наиболее драматических моментах (особенно это ярко выражено
в его ранних операх) композитор объединял весь состав исполнителей в хоры, грандиозные по
составу и потрясающие по силе воздействия.
   Верди родился в маленьком городке Ронколе, под Пармой, в семье необразованного владельца
постоялого двора. Он мог бы стать еще одним любящим борьбу музыкантом, если бы не
унаследованная от предков-крестьян природная гибкость. Была ему присуща и крестьянская
стойкость. В период с 1838 по 1840 год умерли его молодая жена и двое детей, но, кажется, это
придало ему больше душевной силы, а не подавило его. После "Набукко" Верди создал на протяжении
9 лет 13 опер. Подлинным шедевром стала опера "Риголетто" (1851). Такая титаническая работа
требовала от композитора огромного самопожертвования. Верди говорил, что это были "годы раба на
галере". Большинство этих опер имеют национальные сюжеты, и, хотя их редко можно услышать
сегодня, они создали композитору репутацию великого итальянского патриота, которая остается за
ним и поныне.
   В отличие от Вагнера, предпочитавшего писать свои собственные либретто, Верди, задумав
оперу, искал волнующие сюжеты. Использованные им темы поразительно разнообразны. Героем
"Риголетто" является горбатый карлик. "Травиата", написанная двумя годами позже, рассказывает о
любви и смерти знаменитой куртизанки, "Дон Карлос" — об испанском принце, вступающем в конфликт
с инквизицией. Многие мелодии Верди стали такими популярными, что попали в золотой фонд классики.
Таковы "Большой марш" из "Аиды", который исполняется военным и духовым оркестрами, и еще
более знаменитая ария "Сердце красавицы склонно к измене" из "Риголетто".
   Известный итальянский оперный критик-вердиолог Дарьо Волтолини писал, что "…в большинстве
опер Верди самые драматические ситуации, где нет никакого проблеска, только смерть и
безнадёжность решаются в жизнеутверждающей мажорной форме с богатой орнаментикой и
аккомпанементом типа "Ум!-ца-ца-ца-ца-ца… Ум!-ца-ца-ца-ца-ца… ". И оркестр превращается в
огромную гитару... ". Эту особенность многие критики объясняют трагическими событиями,
произошедшими в жизни Верди: в 1839 году у него одновременно умирают от болезни жена и двое
детей. Убитый горем композитор в этот страшный период был связан контрактом написания...
комической оперы.
   Опера "Мнимый Станислав" была закончена в срок и поставлена на сцене "La Scala" в 1840 году,
где с треском провалилась, а работа над ней оставила на психике композитора неизгладимый след,
который, по-видимому, выразился в уникальной особенности его творчества — "мажор музыки в
миноре жизни".
   В полной мере эта особенность выразилась в опере Верди "Трубадур". С этим произведением,
написанным и поставленным в 1853 году, связано много неясностей. Например, совершенно
непонятно, почему для своей новой оперы, задуманной ещё в 1850 году, композитор избрал именно
драму Г. Гутьереса "Трубадур", хотя раньше открыто ругал это произведение за "излишний мистицизм,
запутанность сюжета и кровожадность событий". Стоит ли удивляться, что новую оперу потом
обвинили в том же самом. На что Верди вдруг ответил: "А что, в жизни не так, что ли?".
   Неумолимый рок — движущая сила этого "средневекового триллера с элементами трагической
мелодрамы". Возвышенная любовь прекрасной Леоноры и таинственного трубадура рождается на
фоне зловещих тайн и непримиримых противостояний. Руки Леоноры добивается граф ди Луна.
Выследив влюбленных, в трубадуре он узнает своего заклятого врага — предводителя повстанцев
Манрико. Одна из схваток непримиримых противников заканчивается поражением трубадура.
Торжествующий граф торопится избавиться от соперника, отправляя его на костер. На фоне
пылающих языков пламени он узнает страшную тайну: Манрико — его брат, когда-то похищенный
цыганами за преступления своего отца.
   Опера в четырёх действиях (восьми картинах) была написана всего за 29 дней.
   Будучи великим музыкальным драматургом, он необычайно высоко ценил Шекспира. Но после
написания ранней оперы "Макбет" (1847) он не использовал шекспировских сюжетов почти до конца
своей жизни. Примерно в 1880 году он встретил Арриго Бойто, который сам был композитором и
почитателем Шекспира. В нем Верди нашел идеального либреттиста, и их сотрудничество прекрасно
завершило творческую деятельность Верди. "Отелло" является блестящей версией шекспировской
трагедии о любви и ревности, а радостным, искристым, как шампанское, "Фальстафом" композитор
простился с оперным миром. Опера, основанная на "Виндзорских проказницах", заканчивается
словами: "Весь мир — шутка". Таким было последнее обращение к зрителю 80-летнего композитора.
   Сам Верди в конце концов настолько устал от популярности своих шлягеров, что платил
шарманщикам за то, чтобы те не исполняли мелодии из его опер на улицах. Дожил он до 1901 года,
окруженный славой. Однажды он сказал о себе: "У меня нет композиторского образования, но зато
есть очень богатый опыт".
Реализм и фантазия
   После нескольких не совсем натуральных героических миров, созданных Вагнером и Верди, для
композиторов, пришедших вслед за ними, был характерен интерес к более приземленным темам. Это
настроение получило свое выражение в оперном "веризме" (итальянская форма реализма: от слова
"vero", правда), направлении, идущем от "правды жизни", так свойственной творчеству романиста
Диккенса и живописца Милле. Опера "Кармен" Бизе, написанная в 1875 году, была очень близка к
чистому реализму, но веризм как отдельное направление возник в музыкальной жизни Италии лишь 15
лет спустя, когда два молодых композитора написали по одной короткой опере, и обе они были
отмечены неромантическим подходом к драме человека: "Сельская честь" Пьетро Масканьи и
"Паяцы" Руджеро Леонкавалло. Темы обоих произведений — ревность и убийство. Эти две оперы
всегда исполняются вместе.
Жорж Бизе (1838 – 1875)
   Жорж Визе являет собой классический пример композитора, которого помнят по одному шедевру
— опере "Кармен". Его ранние оперы, как "Искатели жемчуга" и "Пертская красавица", иногда
исполняются и сегодня, но все-таки они никогда не были популярными. Однако с "Кармен" композитор
внес в мир оперы нечто совершенно новое: сочетание знойной страсти и средневековой чистоты
музыкального выражения. Это самое удачное испанское музыкальное произведение, написанное не
испанцем. В музыкально-драматургическом центре оперы находится испанская цыганка, армейский
капрал и удачливый тореадор. Среди остальных героев — солдаты, контрабандисты и девушки с
табачной фабрики.
   Роль такой яркой личности, как Кармен, является прекрасной партией для сильной
исполнительницы. Капрал, Дон Хосе, который бросает службу в армии, чтобы сбежать с Кармен, и в
конце концов убивает ее, представляет собой блестящую противоположность тореадору Эскамильо.
Первое представление "Кармен" не было успешным, так как бурная музыка и сама история
разочаровали зрителя. Три месяца спустя Визе умер в возрасте 37 лет, так и не увидев триумфа
своего детища, ставшего вскоре самой популярной оперой. "Песня Тореадора", исполняемая
Эскамильо, входит в число самых популярных арий всех времен и народов.
Джакомо Пуччини (1858 – 1924)
   Чтобы написать три оперы, составляющие основу репертуара оперных театров мира: "Богема",
"Тоска", "Мадам Баттерфляй", — Джакомо Пуччини понадобилось всего лишь 8 лет.
   В музыкальной драматургии этих произведений Пуччини своеобразно соединил веризм с
романтизмом. Это произошло незадолго до того, как реалистические тенденции уступили место
романтическим.
   В "Богеме" присутствуют все необходимые для успеха составляющие: пафос линии хорошенькой
Мими, умирающей от чахотки (по словам одного из критиков того времени — вторая "туберкулёзная
героиня" после вердиевской "Травиаты"), и радостное приподнятое настроение молодых художников
из "Богемы", способных возвыситься над своей бедностью. Действие происходит в 1830 году в
Париже с его мансардами и кафе. Музыка прекрасна, полна драматических моментов, оркестровка
тонка. Самая известная ария из "Богемы" — это, пожалуй, "Ваша маленькая ручка замерзла",
исполняемая молодым поэтом Рудольфом для Мими. В опере, конечно, есть и множество других
заметных мест: например, грустная песня-прощание бедного молодого философа, которую он поет
над своим пальто перед тем, как продать его, чтобы купить еды для умирающей Мими. Такое
сочетание простой запоминающейся мелодии и глубокого драматизма является специфическим для
Пуччини.
   Опера "Мадам Баттерфляй" Пуччини рассказывает о трагической любви Чио-Чио-Сан, японской
девушки, похожей на бабочку, и американского морского офицера.
   Пуччини был самым прирожденным композитором изо всех когда-либо живших. Однажды он
описал свою жизнь как "постоянную погоню за дичью, красивыми женщинами и хорошим либретто".
Действительно, он был хорошим стрелком, имел множество любовниц, а либреттисты никогда его не
подводили.
Рихард Штраус (1864 – 1949)
   Рихард Штраус, великий немецкий оперный композитор, завоевал успех двумя бурными драмами:
"Саломеей", основанной на библейской истории о страсти Саломеи к Иоанну Крестителю, и
"Электрой", древнегреческой трагедией об убийстве и мести. В этих двух операх Штраус дал волю
неукротимой половине своей натуры, но его следующее произведение под названием "Кавалер роз",
было совершенно иным. Впервые исполненная в 1911 году, она представляет собой нежную историю
любви, написанную с изысканной фантазией. Опера пронизана ритмами живых венецианских вальсов и
пропитана духом Шуберта и Иоганна Штрауса, королей вальса.
Леош Яначек (1854 – 1928)
   В основу своей оригинальной музыки, чешский композитор Леош Яначек, положил песни своей
родины. Его короткие повторяющиеся ритмичные мелодии ближе по духу к музыке Бартока, нежели его
современников. Соединение этого дара создавать мелодии, несравненного чувства оркестра и чутья
драматурга позволяют Яначеку чувствовать себя в оперном театре, как в родном доме. Его наиболее
часто исполняемые оперы — "Енуфа" и "Катя Кабанова" — являются трагедиями. Но ему давались
также изящные, наполненные искрометной фантазией произведения. "Лисичка-плутовка", исполненная
впервые в 1924 году — это единственная опера, в основе которой лежит серия карикатурных
рисунков животных.
    Опера никогда не может быть гиперреалистичной, разве лишь в общем смысле. Понятно, что в
реальной жизни никто в момент смерти не поет. Фантазия и игра всегда были одними из самых
привлекательных сторон в музыкальной драматургии оперы. Уже в преклонном возрасте, после
прежних мрачноватых опер, Яначек вдруг обратился к чистой фантазии в своей "Лисичке-плутовке".
Русская опера
   Музыкально-драматические особенности русских композиторов таких, как Бородин, Мусоргский,
Чайковский, представляются совершенно иными. Продолжая старые традиции, они вводят в оперное
искусство ряд новых специфических направлений.
Модест Мусоргский
   Мусоргский вошел в историю мирового музыкального искусства как гениально одаренный
музыкант-новатор. Вершина творчества Мусоргского — его оперы. Такие произведения, как "Борис
Годунов" и "Хованщина", не имеют равных в мировой оперной музыке. Творчество Мусоргского
оказало большое влияние на развитие отечественной и зарубежной оперных культур.
   Вся сила таланта Мусоргского раскрылась в опере "Борис Годунов", написанной по трагедии А.
С. Пушкина в 1869 году. В ней Мусоргский проявил себя как мастер психологических портретов,
написанных музыкально-драматическими средствами. Обращение к историческому сюжету дало
основание развить народные образы, представленные в опере и "единой массой" в народных хорах и
отдельными личностями.
   В 70-е годы Мусоргский вновь обратился к русской истории. Его привлекли события конца 17-го
века — стрелецкие бунты и движения раскольников. По совету Стасова, композитор в 1872 году
принялся за работу над оперой "Хованщина". Обладая незаурядными литературными способностями,
либретто к этой опере Мусоргский написал сам.
Современная опера
   Сегодня в оперном театре финансовые проблемы возникают неизбежно. Все это приводит к
тому, что руководители театров не хотят брать на себя риск постановки нового незнакомого
произведения, которое не может гарантировать даже наполовину заполненного зала. Кроме того,
зрители, которые ходят в оперу, как правило, являются приверженцами традиционной музыки, и чему-
то новому, тревожащему, беспокоящему они скорее предпочтут старое и знакомое.
   Однако в мировом репертуаре всегда можно найти несколько новых опер. Например,
произведения Бриттена, особенно "Воццек" Альбана Берга. "Воццек"  написан в атональной манере с
использованием традиционных музыкальных приемов. Музыка произведения очень разнообразная:
диапазон ее — от разрушающих музыкальную ткань диссонансов до нежных убаюкивающих мелодий.
Певцы то поют, то используют речитатив, то переходят на крик. Это произведение всегда собирает
полные залы зрителей.
    Недавно появились такие известные произведения, как "Черти из Людена" Пендерецкого и
"Бомарцо" Джинастеры. Пендерецкий — поляк, Джинастера — аргентинец, и их успех говорит о том,
что сегодня оперные композиторы рождаются уже не столько в странах с традиционно развитой
оперой, сколько там, где она никогда не была по-настоящему развита. За исключением Джан Карло
Менотти мало кто из современных итальянских композиторов писал оперы. Среди немецких
композиторов можно выделить Ханса Вернера Хенце, автора оперы "Бассариды" — пересказа
древнегреческой легенды, а также политической сатиры "Как мы приходим к реке" с ее хитроумным
эклектическим переплетением самых различных музыкальных направлений. Из всех оперных
композиторов XX века наиболее плодовитым и одаренным был англичанин Бенджамин Бриттен. Он
создал оперу "Оуэн Уингрэйв", которая была впервые исполнена в 1971 году на телевидении, и лишь
затем ее поставили в театре.
Вывод
   Существует множество вариантов классификации оперных жанров, потому что закономерности
развития оперной музыкальной драматургии формировались под воздействием огромного количества
факторов. Наиболее часто в соответствующей литературе встречается следующий
классификационный стандарт:
·      ранняя опера;
·      комическая опера;
·      опера-сериа;
·      лирическая опера;
·      моно-опера;
·      большая опера;
·      опера-оратория;
·      современная опера;
·      прочие жанры музыкально-драматического типа.